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Présenté par… Cyprien Gaillard !

J’adore quand un artiste m’en présente un autre ! A la Fondation Vuitton l’autre jour, dont je vous parlais dans un article ici j’ai vu une vidéo de l’artiste, photographe et vidéaste, Cyprien Gaillard. Le panneau devant la salle où est projetée sa vidéo Desniansky Raion qui montre des barres d’immeubles construites après la Seconde guerre mondiale dans différentes situations n’indique pas qui a composé la bande sonore. Heureusement que j’ai acheté la revue de la Fondation car je peux voir que c’est Koudlam ! Heureusement que j’ai une mémoire auditive car je retrouve tout de suite le morceau de l’album qui a servi à l’illustration sonore de la vidéo !

Né en Côte d’Ivoire en 1979, Koudlam est surtout un artiste qui réalise des performances et s’allie à Cyprien Gaillard pour différents projets artistiques. Il s’auto-produit pour son premier album intitulé Nowhere en 2006, rencontre Cyprien Gaillard en 2007 et signe chez Pan European Recording avec qui il enregistre l’album Goodbye en 2009 puis Benidorm Dream en 2014. J’ai trouvé cette musique totalement envoûtante en l’entendant dans la grande salle où était diffusée la vidéo de Cyprien Gaillard, et extrêmement stimulante et intéressante en la réécoutant chez moi. Voici donc mon morceau préféré See you all, dans la vidéo de Cyprien Gaillard (deux artistes pour le prix d’un) :

Chanson contre l’homophobie et la guerre

Ecrite en 2008, figurant sur l’album It’s not Me, it’s You, son deuxième, cette chanson, selon Lily Allen, a d’abord été écrite pour se fustiger soi-même, puis contre le parti national britannique, puis en fin de compte pour dénoncer l’étroitesse d’esprit de certains qui peut mener à la guerre.

Moi je l’adore parce que, quand quelqu’un m’énerve, je l’écoute en adressant cette insulte au chieur du moment. Il y a eu des périodes où je devais, hélas, l’écouter souvent, voire en boucle, mais même maintenant elle vient à point aider à exprimer une colère, une frustration.

Et le clip est un bijou artistique !

Tourné dans les rues de Paris (on reconnaît les bords du Canal Saint Martin), il emploie des manipulations vidéo qui nous paraissent banales aujourd’hui, mais qui montraient une réelle innovation à l’époque.

Allez, on regarde, on écoute, et on se défoule !

De quoi ? Pas de panique, j’explique !

Carach Angren est un groupe de musiciens hollandais. Il a été fondé en 2003 par Dennis Droomers alias Seregor pour le chant et les guitares, Clemens Wijers alias Ardek aux claviers et Ivo Wijers alias Namtar à la batterie et aux percussions. Son nom vient de la saga de Tolkien Le Seigneur des Anneaux, c’est un passage au nord-ouest du Mordor (les adeptes auront reconnu les sons gutturaux de la langue dans cette contrée de la Terre du Milieu).

Quand j’étais au lycée, il y avait le rock n’roll, le rock et le hard rock. Au fil des ans, le hard rock a repris son nom anglo-saxon de heavy metal et ce style, comme beaucoup d’autres, a fait des petits. Il y a donc désormais le black metal, le death metal, et le black metal symphonique. Pourquoi symphonique ? Parce que ses compositions sont mâtinées de classique, avec l’aide d’un orchestre symphonique. Voilà qui crée des ruptures rythmiques et stylistiques très intéressantes. Si vous suivez bien, vous avez déjà entendu ici du metal symphonique avec Arcturus, mon groupe de metal symphonique préféré, dans un article antérieur . Pourquoi ce style fait florès auprès des Européens du nord, Norvégiens, Suédois, Finlandais et même ici Hollandais ? N’ont-ils pas l’inspiration qu’il leur faut auprès des elfes, des volcans et des geysers que l’on retrouve chez Tolkien ? Précisément ! D’ailleurs, leurs textes parlent de fantômes et de toutes sortes de phénomènes paranormaux. Leur look ressemble à celui de Brandon Lee dans le film The Crow.

Alors je vous laisse écouter un extrait de l’album tout récent de Carach Angren This is no fairytale sorti en février de cette année : Two flies flew into a black sugar cobweb, tout un programme ! Vous verrez comment interagissent les guitares et la batterie avec l’orchestre symphonique. Et bien sûr, je dédie cet article à l’ami qui me fait découvrir ces musiques fascinantes…

Mauviettes s’abstenir ! Et pour en savoir plus, leur site officiel

Le comment ? Pas de panique, Domi explique

Mouvement littéraire au départ, puis esthétique (et j’en parlerai dans un autre article), le steampunk, – punk à vapeur – mouvement rétrofuturiste qui s’inspire du développement de la société industrielle avec les machines à vapeur (trains, bateaux, etc.), a inspiré des sculpteurs, des designers, des stylistes… et donc des musiciens, ce que je ne savais pas, mais que mon amie Aleksandra m’a fait découvrir, donc pas chienne, j’en fais profiter mes lecteurs !

Deux groupes ont retenu mon attention : Victor Sierra et Abney Park. Victor Sierra (Sierra comme S de Sierra dans le code de l’aviation) commence par de la techno puis mélange des sons divers, rythmes électroniques et instruments traditionnels. Sur scène, l’univers du groupe recrée une ambiance de vaisseau spatial mâtiné de sous-marin genre Nautilus. Les goggles sont de rigueur !!!! Voici une chanson qui illustre bien ce style :

Groupe steampunk par excellence, référence depuis 2006, le groupe américain Abney Park a aussi tâté de l’électro, voire de l’électro-goth. Et puis ils ont créé tout un univers steampunk autour de la musique, vendant même des accessoires sur leur site. Ils se représentent comme des pirates sur un zeppelin nommé le HMS Ophelia et nombre de leurs chansons évoquent cet univers des corsaires anglais. Voici un aperçu :

Vous aussi, ça vous rappelle le Tom Waits de Frank’s wild years ?

Pour mieux les connaître, leurs sites : Victor Sierra et Abney Park . Attention, c’est très rétrofuturiste !!!

Une chanteuse – est-ce utile de savoir son vrai nom ? Héloïse Letissier – un style plutôt électro-pop, des influences chorégraphiques – Michael Jackson personnalisé – des performances scéniques d’une précision rare, un concept – le costume masculin et un style androgyne « ne cherchez pas à savoir de quel côté je me place » et des chansons moitié en anglais, moitié en français dans un genre multiculturel d’échanges bien dans son époque… Christine and the Queens, ou l’intello (khâgne et hypokhâgne) artiste totale à la Laurie Anderson (qu’elle m’évoque personnellement, chacun ses références), elle vient de Nantes, passe par Paris et Londres, se produit au Printemps de Bourges et aux Vieilles Charrues, est nommée aux Victoires de la Musique, bref, Chaleur Humaine, son premier album, est disque d’or, cela n’étonnera personne. Et les radios les plus diverses la diffusent, ce qui est suffisamment rare pour être souligné.

Un clip pour illustrer tout cela :

Chanson prémonitoire ? Alain Souchon « C’est déjà ça »

Le blog de Domi ne traite pas de politique, il n’en sera donc pas question là non plus. Mais au moment où le président Béchir vient d’être réélu au Soudan avec plus de 94% des voix, au moment où plus de 700 migrants venus de Syrie, d’Erythrée et d’ailleurs dans ces régions pauvres et opprimées se noient près de nos côtes, je tenais à rendre hommage à ces jeunes gens qui tentent le tout pour le tout, même pas sûrs d’arriver en Europe sains et saufs. Ce n’est ni une question, ni un choix à faire ou non, c’est une évidence : partir. Et tant qu’il y aura des hommes désespérés, il s’en trouvera d’autres pour leur vendre de l’espoir, tant qu’il y aura des hommes en fuite, il s’en trouvera d’autres pour monnayer cette fuite. Que faire ? Arrêter les passeurs ? Peuvent-ils seulement se regarder dans une glace en recomptant leurs dollars qui puent la mort ?

Je n’ai pas la solution, je partage juste cette chanson où Alain Souchon dit l’essentiel : marcher librement dans une grande ville d’Europe, rêver, « c’est déjà ça » :

Une légende, rien de moins !

Née Eleonora Fagan à Philadelphie en 1915, Billie Holiday a suivi sa mère à Baltimore puis New York. Elle échappe à une tentative de viol, quitte l’école à 11 ans, se prostitue à 14 ans quand sa mère le fait aussi … La vie des jeunes Noires pauvres dans l’entre-deux-guerres aux Etats-Unis est très dure. Mais Billie chante, d’abord dans des petits clubs sans prétention de Harlem, puis avec Lester Young à partir de 1936. Elle a choisi son prénom d’après le nom d’une actrice célèbre à son époque, Billie Dove et son nom de famille, épelé Halliday d’abord, serait celui de son père biologique. Elle est remarquée dans les années 30 et chante avec l’orchestre de Count Basie, puis celui d’Artie Show, l’une des premières chanteuses noires à chanter dans un orchestre de blancs, ce qui n’est pas rien ! Signant un contrat avec une maison de disques, elle enregistre dans ces années-là, et jusqu’en 1942, des chansons qui font partie des classiques du jazz. Lester Young la surnomme Lady Day et devient l’un de ses accompagnateurs les plus fidèles. Elle enregistrera des dizaines de disques par la suite, chez Columbia puis Verve.

Au début, sa voix est plutôt claire, avec un phrasé traînant qui la caractérise, mais son addiction à l’héroïne et à l’alcool lui donne une qualité rocailleuse très émouvante. Plutôt que de tenir une note élevée, elle fait rouler la syllabe portée par elle dans sa gorge, ce qui donne au blues une nuance essoufflée de femme au bout du rouleau qui nous sort ses tripes et nous montre son coeur blessé. Car blessé, il l’a été, son coeur, et peu de vrais amis l’ont entourée, peu d’hommes l’ont respectée. Ses démêlés avec la justice, comme on dit, la laissent seule, et elle meurt épuisée à l’hôpital en 1959, laissant des enregistrements remarquables toujours populaires et aimés aujourd’hui.

Elle a tout compris à l’amour

Tu es seule et tu rêves à l’homme que tu vas rencontrer ? Elle a une chanson pour ça : « The man I love » (il va venir peut-être dimanche, peut-être lundi, peut-être maintenant) ; tu viens de rencontrer quelqu’un et tu es très amoureuse ? « Too marvelous for words » (j’emprunte une chanson d’amour aux oiseaux car il n’y a pas de mots pour dire comme tu es merveilleux) ; ton homme te trompe ? « Don’t explain » (tais-toi à présent, n’explique pas… tu rentres tard, du rouge à lèvres sur ton col) ; l’amour est compliqué ? « Love me or leave me » (tu m’aimes ou tu me quittes, je ne veux pas d’un amour que j’emprunte, l’avoir aujourd’hui et le rendre demain) ; ton homme t’a quittée ? « Travelin’ light » (je voyage léger parce que mon homme est parti) ; tu as le coeur brisé ? « Good morning heartache » (bonjour peine de coeur, je t’ai dit bonne nuit hier soir et je te retrouve ce matin). Les exemples se multiplient, je ne peux pas tout citer.

Et le reste…

Dans son autobiographie, aussi le titre de l’une de ses chansons, Lady sings the blues, elle parle de ses difficultés à exister en tant que chanteuse noire dans un monde de blancs, de sa tournée dans le Sud où elle ne pouvait pas descendre dans les mêmes hôtels que les autres membres de l’orchestre, et puis il y a cette ballade remarquable écrite par un poète juif, Abel Meeropol, qui parle du lynchage des Noirs suspendus aux arbres du Sud. Ce sera Strange fruit, un blues poignant. Billie est une femme généreuse et pleine d’amour qui a vécu des épreuves terribles. Ses chansons en sont un poignant témoignage.

Mais en ce soir d’hiver pluvieux pour certains, glacé pour d’autres, je choisis une chanson très jazzy pour illustrer cet article :

Pour plein de renseignements en plus, son site officiel si vous cliquez ici et bien sûr, toutes vos plateformes musicales habituelles pour vous gaver de ses chansons. En ce qui me concerne, pas un jour ne passe sans que je n’en fredonne une !

Un projet dont on aimerait avoir eu l’idée…

Jérôme Ettinger, directeur artistique et musicien nantais, part en Egypte une fois, deux fois… plein de fois… Passionné de musique, il rencontre les plus prestigieux : Sayed Emam, chanteur et joueur de kawala très connu, Salama Metwally, chanteur et aussi violoniste, virtuose du rababa, le violon traditionnel égyptien, et Ragab Sadek, percussionniste aux instruments variés avec des noms qui chantent aussi – dof, sagates, rek, darbouka et dhola. A leurs côtés, Jérôme apprend le dof et l’arghul, double flûte égyptienne. Il mettra des années de ténacité pour créer un groupe – Egyptian Project – auquel il participe également. Mélange de musique occidentale avec ordinateur et de tradition égyptienne électroacoustique, leur travaille a nécessité une démarche très belle, chacun allant vers l’univers musical de l’autre. Ces messieurs déjà âgés, références dans leur pays, ont collaboré avec le jeune Français sans a priori, comme les musiciens savent le faire, ouverts et passionnés. Leur premier album est sorti en 2013 et c’est un régal !

Concerts et participations aux festivals, accueil triomphal au Caire, tournées (celle de 2015 passera par la France, la Hongrie, l’Autriche, la Slovaquie et aussi Le Caire et la Tunisie) ont suivi. Nous sommes tous fascinés par ces mélodies envoûtantes qui parlent à nos émotions les plus profondes ou nous entraînent dans des rythmes étranges et irrésistibles.

Pour en savoir plus, le site des productions Togezer à consulter régulièrement, voici la page dédiée ici avec des photos de concert magnifiques.

On peut également s’abonner à la page Facebook d’Egyptian Project (photos, vidéos, infos, tout y est !).

Et pour avoir envie de faire tout ça, un extrait de leur album Ya Amar, la chanson éponyme :

Autrefois, on mutilait de pauvres petits garçons à la voix d’ange pour stopper leur mue. Ensuite il y a eu les haute-contres qui n’existent plus. Mais depuis quelques années, certains chanteurs masculins ont développé leur voix plus aiguë que celle d’un ténor lorsque le répertoire baroque a été remis au goût du jour. On les appelle « contreténors » et leur voix va du contralto au soprano, voire soprano léger. Et en effet, ils ont des voix d’ange, et pas seulement quand ils interprètent de la musique sacrée. Le répertoire baroque date du XVIIè siècle jusqu’au milieu du XVIIIè, avec des opéras, mais ce que j’aime surtout, et que j’ai envie de partager ici, c’est toute la musique sacrée de cette époque : Pergolèse, Vivaldi, Bach (on dit que le baroque se termine avec sa mort en 1750).

De même qu’après les grands bouleversements protestants, l’Église catholique triomphante a bâti des édifices religieux très richement décorés, dont les piliers surchargés d’or et de décorations alambiqués s’élèvent jusqu’aux coupoles ornés d’anges joufflus soufflant dans des trompettes, de même la musique s’envole droit vers le Ciel, et nous emporte sur la voix de ces anges incarnés.

Un exemple ? Volontiers :

James Bowman est une de mes idoles, en duo avec Emma Kirkby c’est magnifique. Mais voici un autre exemple :

Vivaldi léger, aérien, mais aussi recueilli, par Gérard Lesne. Je vous laisse découvrir les autres par vous-mêmes si ça vous plaît : l’ancien Alfred Deller, René Jacobs, Henri Ledroit, Andreas Scholl et Philippe Jaroussky…

Vendredi 28 novembre, Vaudou Game donnait un des premiers concerts de sa tournée à l’EMB de Sannois. Cette structure dont la prescription est observée par toute la filière musicale, s’est souvent illustrée par des résidences formatrices pour de nombreuses têtes d’affiche actuelles. Le développement de cette salle qui doit se battre sans relâche pour survivre, passe par l’ouverture sur le monde. Cette stratégie mise aussi bien sur des missions d’expertises et de coopération en Mauritanie que sur ses propres événements en région parisienne. Vaudou Game est le meilleur relais du passé vers le futur, donc de l’Europe vers l’Afrique. Ce groupe lyonnais joue à la perfection le funk électrique de la grande région qui s’étend d’Accra à Lagos, en passant par Ouidah et bien évidemment le Togo d’où est originaire Peter Solo, le membre fondateur.

Dignes héritiers du Poly-Rythmo de Cotonou, le groupe Vaudou Game explose toutes les barrières, toutes les frontières et surtout tous les clichés. Le vaudou est célébré et enfin raconté avec toute la vérité de sa philosophie positive tournée vers la vie.

La scène culturelle lyonnaise s’enrichit chaque année un peu plus d’échanges avec tout le continent africain, du Tanger des Nuits Sonores au Cape Town de Jarring Effect. Après les espoirs de Coronthie, Vaudou Game emmènera ce rayonnement bien au-delà de deux continents.